La pintura abstracta puede intimidar. Sin un tema reconocible, muchos espectadores suponen que hay un significado oculto que no logran descifrar. En realidad, la abstracción pide algo más sencillo: que sientas antes de analizar.
Un lenguaje sin palabras
La abstracción comunica como lo hace la música: de forma directa, a través del ritmo, el color y el gesto, sin traducirse primero al lenguaje. Una gran obra abstracta puede transmitir duelo, energía o calma sin nombrarlos nunca. No es falta de contenido; es otro sistema para transmitir contenido. Mientras una pintura figurativa te da un tema que identificar, una pintura abstracta te da un conjunto de relaciones —cálido contra frío, una veladura delgada contra un empaste acumulado, una marca gestual rápida contra un campo lento y meditado— y le pide a tu mirada que las resuelva en sentimiento.
Esa tradición va del énfasis de los expresionistas abstractos en el gesto y la escala al interés de los pintores del Campo de Color por la saturación y la atmósfera. La abstracción contemporánea hereda ambas líneas, y la mayoría de los artistas en activo se inclinan por una o las combinan: la marca impulsada por el gesto frente a campos de color quietos y sostenidos.
Cómo leer la abstracción
No hay una respuesta equivocada. Observa hacia dónde va tu mirada, cómo te hacen sentir los colores, si la superficie se siente urgente o serena. El significado no está escondido detrás de la pintura; sucede en el espacio entre la obra y tú.
Algunas cosas recompensan una mirada más lenta. La superficie y la factura: ¿la pintura es delgada y está teñida dentro del lienzo, o está acumulada en relieves que podrías leer con los dedos? La temperatura: ¿la paleta tira a lo cálido y hacia adelante, o a lo frío y hacia atrás? La escala en relación con el gesto: un lienzo pequeño con marcas grandes y seguras se lee distinto que un lienzo grande construido con muchas marcas pequeñas. Y el ritmo: dale a una pieza más que un vistazo. Una abstracción que parecía tranquila a primera vista a menudo se abre después de pasar unos minutos con ella, igual que una pieza musical revela su estructura en una segunda escucha.
Por qué la abstracción conecta hoy con los coleccionistas
La obra figurativa y el retrato suelen ser legibles de inmediato: sabes lo que estás viendo en un segundo, y eso es parte de su atractivo. La abstracción funciona en un plazo más largo. Los coleccionistas que viven con una pieza abstracta a menudo cuentan que su lectura de ella cambia a lo largo de meses o años, y precisamente por eso suele sostenerse como una adquisición a largo plazo y no como un impacto visual de una sola vez. Una pintura que anuncia todo su significado el primer día tiene menos espacio para crecer contigo. Ese mismo instinto —confiar en una reacción que no puedes explicar del todo— está en el centro de por qué el arte es una de las compras más emocionales que puedes hacer.
También hay una lógica de mercado. La abstracción no se fecha a sí misma con una referencia cultural específica como a veces le ocurre a la obra narrativa o figurativa, así que envejece de forma independiente de los ciclos de moda. Y como el registro emocional lo fijan el color y el gesto y no el tema, las obras abstractas suelen acomodarse bien en interiores y colecciones muy distintos, lo que explica en parte por qué las galerías centradas en artistas emergentes, incluida esta, tienen una amplia selección de abstracción junto a obra figurativa y basada en símbolos.
La abstracción en Art of NOMA
Genoveva Kelleher trabaja en un cuerpo de pinturas que ella plantea como una excavación del alma entendida como un lugar, recorriendo la conciencia en campos estratificados de gran formato; su Synergetic Atmosphere, de 220 × 190 cm, es uno de los ejemplos más grandes de esa práctica en el inventario actual de la galería. Molly van Amerongen construye campos quietos y atmosféricos con óleo y polvo de mármol sobre madera, en un registro cercano a la tradición del Campo de Color de Rothko sin repetirla. Roti Martínez traduce símbolos ancestrales y aztecas —animales, deidades, glifos— en atmósfera y movimiento más que en ilustración, de modo que las referencias quedan debajo de la abstracción y no en su superficie. Fernanda Rivero pinta desde la intuición y la energía puras, más cerca del extremo gestual del espectro.
Dos artistas más que vale la pena conocer si te interesa este registro: Jorge Tellaeche trata la transformación como geometría y construye una abstracción estructurada, de bordes definidos, a partir de formas de influencia azteca, un contrapunto útil a la obra más suelta y gestual de arriba (lee más en Jorge Tellaeche: Losing the Form, Opening the Door). Alexandra Connolly trabaja desde la dirección opuesta: pinta al óleo la textura de la ciudad, con lienzos que se nutren del grafiti y el arte urbano para construir superficies densas y psicodélicas que se leen como energía pura antes que como cualquier otra cosa.
Mira la entrevista en el estudio de Jorge Tellaeche y la entrevista en el estudio de Alexandra Connolly en el canal de YouTube de Art of NOMA para ver de primera mano cómo trabaja cada artista.
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